Хорошевская Ольга Анатольевна, преподаватель фортепианного отделения МБУ ДО Детской школы искусств № 8
Изучение классических произведений на синтезаторе
Приступая к аранжировке классической пьесы с выраженным национальным колоритом (например, «Итальянская песенка» из «Детского альбома» П. И. Чайковского), следует изучить стилевые особенности ее музыки, ее инструментарий, познакомиться со стилем bell canto. Анализируем музыкальный язык пьесы Чайковского и отмечаем кантиленность, идущую от традиций bell canto, мягкий вальсовый ритм, вызывающий ассоциации с покачиванием лодки на волнах. Анализируем фактуру сопровождения и находим подражание игре на гитаре. В аранжировке пьесы мы учитываем эти особенности, подбираем стиль (Waltz), прописываем подголоски и назначаем инструменты для основных партий и дополнительных линий: gitar, pizz.strings, flute, harp. Вместо традиционной мандолины мы использовали тембр Pi-pa, что подчеркивает «игрушечный» характер образов и уводит нас в мир детства.
Одна из главных проблем любого аранжировщика – неважно, опытного или начинающего – сложность взглянуть на свою работу «незамыленным», свежим взглядом. Вернее, ухом. Мы придумываем партию, доводим ее до состояния идеала на наш взгляд, а затем начинаем придумывать что-то еще. А первая партия крутится, крутится, крутится, и со временем мы к ней так привыкаем, что начинаем забывать, что она есть. Придумываем еще и еще партии. И к каждой из них привыкаем. И все нам кажется, что аранжировка звучит бедно, что наше мастерство так и не раскрыто, мы можем круче, интересней, масштабнее! И никто не оценит нашей гениальности, если мы не добавим еще один инструмент вот сюда и еще два-три вот сюда.
Принцип контрастности лежит в основе любого вида искусства. Живопись, литература, музыка, кино – везде есть контрастные линии. Натюрморт – яркие фрукты на монотонном фоне. В фильмах и в романах – положительные и отрицательные герои, лирика и острота сюжета. Так и в музыке – про контрасты нельзя забывать.
Принцип развития. Не стоит забывать про Золотое Сечение, принципы которого наиболее четко сформулировал еще Леонардо да Винчи. Чтобы понять, как принцип золотого сечения реализуется в музыке – необязательно изучать творчество да Винчи (хотя, с точки зрения всесторонней развитости – весьма полезно). Достаточно понять, что эта самая точка находится примерно в третьей четверти вашей аранжировки. Примерно к этому моменту вы должны сделать все, чтобы подвести развитие к апогею. Именно в этой части чаще всего наступает кульминация, за которой следует спад длительностью примерно в четверть произведения.
Также не следует забывать про постепенное развитие от куплета к куплету. Причем развитие – это совсем не обязательно уплотнение ткани или добавление других инструментов. Иногда развитие может быть почти незаметным. Допустим, можно добавить одну барабанную сбивку, или добавить delay, или ревербератор, или разовый спецэффект. В общем – сделать какой-то шаг с места.
Применение шаблонов. Часто аранжировщики применяют «голое» фортепиано или гитару в качестве аккомпанемента в первом куплете, добавляют бас и барабаны во втором, гитару с овердрайвом или синтезаторы в припеве, и так далее. Это тоже своего рода шаблон, но это, если можно так сказать, классика, а классика, как известно, не устаревает. Правда, это не значит, что каждая аранжировка должна строиться именно так. У замечательного преподавателя и композитора Медюляновой Полины Викторовны есть отличная фраза: «Когда композитору нечего сказать, он использует хроматическую гамму или уменьшенный септаккорд». В этой фразе сосредоточены вкус и музыкальная мудрость. И, конечно, она подразумевает не только сами по себе примитивные средства выразительности, каковыми являются перечисленные элементы, но и множество других шаблонных «примочек».
